Processing

Conforme consta no caderno técnico individual da intervenção, aqui está o código fonte do processing:

import fullscreen.*;import processing.net.*; import ddf.minim.*;import ddf.minim.signals.*;Client cl; int inString;String data;int y;FullScreen fs;Minim minim;AudioSnippet sn;AudioSnippet sn2;AudioSnippet sn3;AudioSnippet sn4;AudioSnippet sn5;AudioSnippet sn6;AudioSnippet sn7;AudioSnippet sn8;AudioSnippet sn9;AudioSnippet sn10;AudioSnippet sn11;AudioSnippet sn12;AudioSnippet sn13;AudioSnippet sn14;AudioSnippet sn15;AudioSnippet sn16;AudioSnippet sn17;AudioSnippet sn18;AudioSnippet sn19;AudioSnippet sn20;int x=0;PImage b;PImage f;PImage g;PImage h;PImage i;PImage j;PImage k;PImage l;PImage m;PImage n;PImage el;float c;float al;int d;float e;float v;void setup(){ size(1024,768);background(255);cl = new Client(this, "150.164.107.40", 5204);fs = new FullScreen(this); fs.enter(); minim = new Minim(this);sn = minim.loadSnippet("1.1.mp3");sn.loop();sn2 = minim.loadSnippet("1.2.mp3");sn2.loop();sn3 = minim.loadSnippet("2.1.mp3");sn4 = minim.loadSnippet("2.2.mp3");sn5 = minim.loadSnippet("3.1.mp3");sn6 = minim.loadSnippet("3.2.mp3");sn7 = minim.loadSnippet("4.1.mp3");sn8 = minim.loadSnippet("4.2.mp3");sn9 = minim.loadSnippet("5.1.mp3");sn10 = minim.loadSnippet("5.2.mp3");sn11 = minim.loadSnippet("6.1.mp3");sn12 = minim.loadSnippet("6.2.mp3");sn13 = minim.loadSnippet("7.1.mp3");sn14 = minim.loadSnippet("7.2.mp3");sn15 = minim.loadSnippet("8.1.mp3");sn16 = minim.loadSnippet("8.2.mp3");sn17 = minim.loadSnippet("9.1.mp3");sn18 = minim.loadSnippet("9.2.mp3");sn19 = minim.loadSnippet("10.1.mp3");sn20 = minim.loadSnippet("10.2.mp3");b = loadImage("1.JPG");f = loadImage("2.JPG");g = loadImage("3.jpg");h = loadImage("4.jpg");i = loadImage("5.jpg");j = loadImage("6.jpg");k = loadImage("7.jpg");l= loadImage("8.jpg");m = loadImage("9.jpg");n = loadImage("10.jpg");el = loadImage("elevador.png"); 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}else if (inString==100){y=2;e=-13;v=-13; }}}

Intervenção

A proposta de intervenção do primeiro semestre de 2009 foi a de escolhermos um espaço na EA - UFMG onde realizaríamos uma mudança, aplicando os conceitos de virtualidade e interatividade. Outra grande demanda era apresentar nossos trabalhos feitos no decorrer das aulas, incluindo os desenhos e a espacialização dos objetos interativos. Além disso, deveríamos estabelecer uma comunicação com um outro grupo que, no nosso caso, foi o do quarto andar.

Desde o lançamento do trabalho, nosso grupo engajou-se em reuniões e discussões a respeito de ideias diariamente. Desistimos de muitas, inclusive mudamos, de certa forma, até o nosso espaço decriação. Antes, havíamos escolhido a área próxima ao LAGEAR juntamente com a escada. Depois, optamos por aproveitarm melhor a grande "carta na manga" que tínhamos: concordamos todos em trabalhar com o espaço externo, abaixo da marquise sem, contudo, abandonarmos o interno.

A ideia final foi criarmos uma espécie de tenda preta abaixo da marquise onde a pessoa entraria e manipularia panos elásticos que estariam conduzindo à projeção de desenhos. Aqui entrava a virtualidade e a interatividade: a pessoa, ao entrar, daria forma aos panos, completando o objeto como um todo. Para mudar os desenhos, a pessoa só pisava em uma determinada área, próxima à entrada da tenda. No espaço interno, espalhamos placas pretas de papel contact obedecendo às marcações quadradas do chão e também nas escadas. Quando alguém pisasse em algumas delas (nem todas fechavam circuitos, algumas faziam parte apenas da tentativa de uniformizar o espaço), mudanças de cor e tamanho nos desenhos, além da mudança de intesidade de palavras-chave relativas aos mesmos ocorriam. As cores variavam entre o amarelo e o vermelho. Isso foi obetido a partir do programa processing. Como uma tentativa de integrarmos o interior com o exterior, lã branca foi fios de lã foram amarrados do eletroduto preto, acima da porta de vidro, até a eletrocalha perto da escada. Os desenhos, além de projetados na tenda, partindo do interior, encontravam-se também nas paredes: com durex preto representamos o Partenon, San Vitale e as pirâmides de Gizé.

Como comunicação, recebemos do outro grupo um input que era convertido, nos desenhos projetados, em uma imagem de uma porta de elevador rodeada de jornais e mandamos sons ambiente da nossa intervenção através do skype.

O trabalho foi intenso, mas o resultado e as boas horas que o grupo passou junto compensaram qualquer dor de cabeça.

Palestra Ronaldo Macedo - Aula bônus

Tivemos uma palestra no auditório da EA - UFMG com o artista plástico Ronaldo Macedo, na qual ele nos apresentou seus trabalhos diversos. Dentre eles, há alguns destaques:

Panóptico - Esse trabalho consisitu na elaboração de 6 caixas, cada uma com uma imagem de um preso em uma cela solitária. Essas caixas foram dispostas na Praça da Estação, em um túnel, se não me engano. Como observação dentro do contexto dessa obra, Ronaldo Macedo disse que um dos maiores desafios de um artista é conseguir integrar seu trabalho ao espaço. Vale ressaltar também que a obra foi embasada em uma pesquisa de seis meses sobre o cotidiano em penitenciárias a delegacias de polícia.

Arquitetura da fumaça - O artista, valendo-se de um grande grupo, realizou uma performance em pleno centro de Belo Horizonte. A grande mensagem foi mostrar como os espaços urbanos são descaracterizados sem a concordância do coletivo ou preocupação com a história da cidade. A fumaça, segundo ele, tinha um caráter simbólico, representando a efemeridade aparência da cidade.

Em caixas - Esse daqui é bem curioso. Como parte de uma exposição do artista, 7 caixas ficaram encaixadas em paredes, sendo que, em cada uma delas, havia um vídeo de um homem vestido inteiramente de azul em alguma lugar da cidade. Os vídeos são tediosos; o homem azul é dotado de uma tranquilidade e passividade enormes, indo na contramão da rotina agitada das pessoas. Além disso, o cotidiano desse homem é solitário. A obra é um bom material para a reflexão.

Partindo também de outros de seus trabalhos, todos possuem, de certa forma, um ponto em comum: a tentativa de provocar questionamentos e de mostrar o homem "com a sua dificuldade de estar no mundo".

A palestra foi bem interessante; achei todos os trabalhos do artista dotados de muita expressividade. Valer-se da arte para passar certas mensagens é valer-se de sabedoria.

Análise crítica dos objetos interativos

Grupo: Cibele Rodrigues, Isadora Castro, Lívia Morais
Objetos analisados: João Victor, Rafael Gil, Sandro

O objeto do João Victor é composto por quatro tubos de PVC de diferentes tamanhos, uma mangueira e quatro bolinhas de alumínio. Ao soprar no interior da mangueira, as bolinhas fecham um circuito cujo output é o acionamento de LEDS de cores diferentes; cada tubo possui em sua extremidade um LED. O uso do objeto é explicitado pela sua forma, que remete a uma flauta ou cachimbo. No entanto, o resultado é imprevisível: o usuário, em um primeiro momento, é surpreendido pelo acender das luzes e é incapaz de controlar esse acendimento. A possibilidade de reverter o uso do objeto é também muito interessante: se ele for virado para baixo, o input, agora, passa a ser o sugar. A virtualidade consiste na necessidade de um usuário para que seu sentido seja completo. Por outro lado, a questão higiênica precisa ser resolvida.

O objeto do Rafael Gil é composto por dois cubos, revestidos por uma textura metálica, que se unem através de velcros. Um som é acionado quando se conecta um cubo ao outro, por isso a importância dos velcros que induz o usuário a, justamente, juntá-los; e a medida que a pessoa movimenta o objeto ela varia a resistência do circuito, alterando o som. O objeto tem um tamanho bom para ser manuseado, porém sua forma distoa da maleabilidade proposta pelo movimento necessário para seu funcionamento, e também da ideia de virtualidade, já que é fixa. O objeto é interativo, e virtual no sentido de ser aberto à ação e ao controle da pessoa que o manipula, completando seu significado somente no processo de uso; e de seus resultados não serem totalmente pré-determinados pelo autor.

O objeto do Sandro é constituído por um dodecaedro de acrílico, que abriga um circuito responsável pelo acionamento de LEDs. O fato da forma do objeto, um poliedro, não ser convencional, o torna convidativo. Tal fato é reforçado pela bela aparência do objeto como um todo, além de sua leveza. O toque nas faces do objeto propicia o acendimento das luzes e, à medida que ocorre o manuseio, há uma gradação bem sutil das cores, como uma espécie de resposta analógica. Daí deriva a interatividade requisitada. A transparência do objeto auxilia a difusão da luz por toda sua extensão. Assim, a cor domina a forma, o que altera o aspecto do objeto. A virtualidade reside no fato de que, por si só, o objeto não faz sentido, exigindo um usuário em constante interação.

Impressões de Inhotim

Inhotim é, sem dúvida, um dos lugares mais bonitos que já visitei em minha vida. Dia 8 de maio foi uma experiência incrível, tanto pelo intercâmbio de informações e sensações entre os alunos, quanto pela tentativa de um olhar diferenciado para as obras. Em outras cinrcunstâncias, eu nunca ficaria no interior de uma galeria por mais de quinze minutos. Dessa vez, fiquei por uma hora e com a sensação de que ainda havia muito mais para ser descoberto ali.

Não tive a oportunidade de vasculhar todo o espaço; optei, conforme nos foi proposto, por levar o tempo necessário analisando cada obra de modo específico. Faz-se extremamente necessário o registro de alguns pontos que foram os mais importantes para mim.

Não cheguei a ver Cosmococa ou O colecionador. No entanto, Através e Glove Trotter sim. A primeira é muito convidativa; é praticamente instintivo chegar na sala, ouvir os barulhos de vidro e, imediatamente, se inserir por entre os obstáculos. Num primeiro momento, fui atraída diretamente para a grande bola de papel celofone, que recebe a iluminação central. Essa luz vai ficando mais incipiente à medida que vamos nos afastamos desse centro, aproximando-nos da periferia. O meu vagar pela obra veio depois, acompanhando essa gradação luminosa. É possível perceber que entre obstáculos mais externos são por onde as pessoas menos passam devido aos grandes pedaços de vidro existentes. Já a parte central chega a possuir cacos bem pequenos, confirmando a maior fama da bola. Minha leitura é da prória gradação dos problemas humanos. No entanto, todos obstáculos permitem que você veja através deles: a bola, a solução, sempre estará visível e poderá ser almejada. Ao olhar para baixo, você vê imagens suas fragmentadas. Talvez isso explicite as diversas faces que um homem pode ter. Ao sair da obra, o silêncio incomoda; acostumamo-nos com o barulho estilhaçador do pisar. É como se o certo fosse a comunicação com a obra, como se ela pedisse que voltássemos para ela.

A segunda, Glove Trotte, levou-me a pensar na existência do infinito; com os olhos semi-cerrados a sensação de você estar em um espaço sem fim é muito forte, garantido pelas paredes pretas. Isso é interessante porque foi a menor sala que visitei que me pareceu a maior de todas. O contraste, aqui, é entre o físico e o sensorial. Ao entrar na sala, deparamo-nos com um outro mundo, é como se desligássemos da realidade exterior. Eu tive a sensação de estar totalmente suspensa no desconhecido, sem qualquer contato com o plausível.

Foi na galeria de Doris Salcedo onde passei o maior tempo. Fui até lá com um grupo de, aproximadamente, 10 pessoas e a discussão foi muito rica. Ao chegarmos, a sensação geral foi de grande vertigem e ilusão de óptica. Logo depois, todos nós caminhamos em direção à parede para vermos o que era aquilo que causava tanto estranhamento. Era apenas uma grade encaixada em uma parede de gesso. Mas, na verdade, como saber quem foi colocada primeiro? Essa indefinição nos acompanha o tempo todo lá dentro, tanto que somos instigados a imaginar coisas para suprir a ausência de informação explícita. Houve pessoas que, ao fixarem o olhar em um ponto, visualizaram um fluxo indefinido horizontal, colunas verticais movendo, quadrados amarelos, dentre outros. No decorrer dos minutos, acostumamo-nos com a sensação vertiginosa, não mais inquietante. Como a grade remete à prisão, gaiola ou campos de concentração, talvez seja isto que aconteça com aqueles que vivem essa realidade: com o passar do tempo, chega a acomodação, o costume já que não há mais nada a ser feito mesmo.

Pela foto, a galeria da Adriana Varejão pareceu-me infinitamente maior do que a real, além do espelho d'água. Foi um engraçado chegar até ela e descobrir que as dimensões imaginadas eram totalmente errôneas. Nela, encantei-me com Celacanto provoca maremoto. Pela foto no site, pensava que a obra acontecia apenas na junção entre duas paredes, mas deparar com quatro paredes azulejadas foi uma surpresa bem agradável. Eu não tenho uma explicação muito plausível a oferecer, mas azulejo sempre me remeteu a algo conchegante e seguro. Talvez por lembrar-me da casa de minha vó, decorada dessa forma. As fissuras do azulejo, contudo, trouxeram algo a mais: elas trazem a ideia de quebra das ondas do mar e também contratam-se, para mim, com a sensação de aconchego descrito. E descobrir anjos barrocos no meio das ondas foi divertido. Eu nunca os encontraria através de uma imagem digital apenas.

True Rouge abre um espaço incrível para a imaginação. Do lado de fora, eu poderia jurar que encontraria lá dentro anjos sangrando, mas, ao entrar na galeria, eu propriamente me considerei uma louca por ter pensado isso. Não é possível definir o que está suspenso nem se essas coisas convergem ou divergem do centro. Quem sabe ássaros? O vermelho, maciçamente presente, não causou em mim qualquer perturbação como eu imaginava causar. Muito pelo contrário, trouxe vida e beleza. Provavelmente, se a galeria não fosse transparente, conectada à paisagem tranquila do exterior, isso mudaria.

Como última observação, não poderia deixar de citar Forty Part Motet. Não vou falar nada sobre ela, porque é extremamente necessário que todo mundo que tenha a oportunidade conheça-a. Só um parêntese: é a coisa mais emocionante e linda.

Processing 2

Dessa vez, a proposta foi fazer algo que conjugasse interação e animação no processing. O resultado foi este:

Código:
void setup () {

background(200, 245, 244);
size (500, 420, P3D);
smooth();
stroke (255);
}

void draw () {
triangle (mouseY, mouseX, 200, 90, 100, 200);
if (mousePressed && (mouseButton == LEFT)) {
fill(90);
} else if (mousePressed && (mouseButton == RIGHT)) {
fill(200, 245, 244);
} else {
fill(mouseX, mouseY, 194); }

noCursor();
}

Resenha do Museu Inimá de Paula: exposição Arte Cibernética

- O Itaú Cultural, em parceria com Museu Inimá de Paula, é o responsável pela exposição de arte cibernética com a apresentação de 8 de quatorze obras de seu acervo de arte e tecnologia. Artistas renomados, como Edmond Couchot, Daniela Kutschat, Regina Silveira e Rejane Cantoni participam da mostra. -

A exposição é, em primeiro lugar, um aula de interatividade. Muito além de sons e luzes, as obras realmente atraem a atenção do espectador. A influência persuasiva de cada uma delas é indiscutível; como assitir a pessoas desintegrando dentes-de-leão em sua frente, com um simples soprar em microfones, sem, depois, tentar o mesmo? Sem dúvida, elas são muito chamativas, interessantes e, por vezes, intrigantes.

Algumas delas, certamente, atraíram mais a minha atenção. Text Rain, de Camile Utterback e Romy Achituv; Les Pissenlits, de Edmond Couchot e Michel Bret e OP_ERA: Sonic Dimension, de Daniela Kutschat e Rejane Cantoni; foram as de maior destaque para mim. A primeira foi a que senti um maior conceito de interatividade empregado. Você consegue ficar 10 minutos facilmente de frente para a projeção, apenas brincando com seus movimentos. Confesso que não li direito o poema-chuva embora haja uma grande relação entre a linguagem corporal e ele próprio. Se certas pessoas, só de passarem em frente à vitrines de lojas que possuem essas camêras ligadas a uma determinada tela, já sorriem e, por vezes, dão um tchauzinho para si próprias, imagine uma tela em que você se vê projetada, inusitadamente, com uma chuva de palavras caindo na sua cabeça "controladas" pelo contorno do seu corpo? A segunda é inexplicavelmente encantadora. Eu já tinha gostado antes de experimentar só pela beleza do balançar das flores. Testei todas as intensidades possíveis de sopro e não é que consegui até acabar com um dente-de-leão?! A terceira, por fim, também é bem interativa. Com o passar das mãos em uma tela meio que em um formato de ''U'', sensores eram acionados e sons delicados de uma harpa aconteciam. A frequencia desses sons variava de acordo com o experimentar do usuário. A obra é de grande liberdade.

Por um outro lado, não gostei muito de outras três: Reflexão #3, de Raquel Kogan; Descendo a Escada, de Regina Silveira e "Memória" Cristaleira, de Eder Santos. Na primeira, corri meus dedos pelos botões durante 1 minuto, no máximo; não entendi o que há de grande em apertar botões e ver números descendo e subindo com velocidades e posições diferentes. Só vi beleza com o espelho d'água para ser sincera. A segunda é até interessante, mas, não sei se propositalmente, o som dos passos descendo as escadas era descompassado em relação aos passos verdadeiros. Simulei um andar bem rápido e o que ouvi foram sons de um andar regular e calmo. Quanto à de Eder Santos, pode ser que eu seja super leiga e não entenda a magia sensacional por trás do pano, mas achei ela entediante.

Um ponto que merece destaque é a simplicidade de informações. A pequena tela digital ao lado de cada obra foi suficiente para nortear o meu agir (a posição dos bonequinhos de animação representados era uma ótima dica), o nome, autor e ano de criação da obra também eram fornecidos e, além disso, o mecanismo utlizado era revelado, sem, contudo, desfazer o encanto e o segredo de elaboração do projeto. Nós temos acesso ao que realmente importa, já aprendemos que o bombardeio de dados nem sempre é a melhor opção.

Destaco também o "dinamismo" do lugar. Em aproximadamente 30 minutos, pude desfrutar de todas as obras muito bem. Isso, para mim, é positivo, já que é um programa que pode ser feito sem exigir grandes flexibilidades de horários do visitante.

Por outro lado, não senti a necessidade de separação das obras em dois andares. Por mais que eu tenha procurado achar a coerência nisso, imaginei que um andar dedicado, apenas, às telas de Inimá de Paula significaria um melhor aproveitamento do espaço. E, por mais que o ambiente escuro do primeiro andar fosse propício, na obra Descendo a Escada, me senti um pouco insegura, com passos vacilantes, ao "descer" o pequeno relevo dela já no fim da interação. Em mais de um local "pisei em falso" devido à escuridão da ambiência. Acredito que tenha sido também em Les Pissenlits.

Como último comentário, acredito ser muito válida uma indicação clara do espelho d'água no chão em Reflexão #3. Presenciei uma pessoa molhando-se por ter pensado que aquilo fosse um piso espelhado. A explicação do guia não ocorreu no momento certo.

O Museu é extremamente recomendável. A interatividade e o atrelamento arte/tecnologia proporcionados são muito interessantes e, além disso, fazendo um parêntese, as telas de Inimá de Paula são muito apreciáveis para quem gosta de cores fortes e textura. Esse contraste entre a arte pintada e a arte cibernética também é um bom motivo de visitação.

Primeiro trabalho no processing

Procurei, com este trabalho no Processing, explorar novas possibilidades, além da elipse e do quadrado:

Código:

//size: tamanho da tela

//background: cor do fundo

//line (x,x,x,x):linha

//stroke (x,x,x): cor da linha

//fill (x): preenchimento de algo

//noStroke: quando a cor da linha não deve aparecer

//rect(x,x,x,x): retângulo

//smoth (): linhas ficam mais bem delineadas

//strokeWeight (x): grossura da linha

//noFill: preenchimento não é necessário

//arc (x,x,x,x): arcos

//quad(x,x,x,x,x,x,x,x): quadrilátero

//triangle(x,x,x,x,x,x): triângulo

//ellipse (height/x, with/x, x, x): elipse

size(400, 400);

background(240, 161, 58);

stroke (255, 255, 255);

line (170, 200, 230, 200);

stroke (10, 10, 10);

line (170, 200, 90, 150);

stroke (0, 20, 0);

line (90, 150, 170, 150);

stroke (100,0,0);

line (170, 150, 200, 50);

stroke(100, 0, 0);

line(200, 50, 230, 150);

stroke(0,0,0);

line(230, 150, 310, 150);

stroke (255, 90, 30);

line (310, 150, 230, 200);

color mar = color(210, 247, 244);

fill (mar);

noStroke ();

rect (0, 200, 400, 400);

stroke (0, 20, 170);

line (0, 201, 400, 201);

stroke (0, 201, 400, 201);

line (50, 290, 120, 290);

stroke (0, 20, 170);

line (70, 390, 92, 390);

stroke (0, 20, 170);

line (200, 270, 290, 270);

stroke (0, 20, 170);

line (300, 250, 345, 250);

stroke (0, 20, 170);

line (150, 300, 302, 300);

stroke (0, 0, 90);

line (100, 230, 270, 230);

stroke (80, 234, 223);

line (50, 350, 370, 350);

stroke (91, 219, 209);

line (215, 370, 320, 370);

noFill();

smooth();

stroke (91, 219, 209);

strokeWeight(3);

arc(100, 230, 40, 40, PI, TWO_PI);

noFill();

smooth();

stroke (90, 243, 209);

strokeWeight(2);

arc(280, 280, 60, 60, PI, TWO_PI);

noFill();

smooth();

stroke (34, 202, 240);

strokeWeight(1);

arc(200, 302, 50, 50, PI, TWO_PI);

noFill();

smooth();

stroke (91, 219, 209);

strokeWeight(3);

arc(50, 340, 40, 80, PI, TWO_PI);

noFill();

smooth();

stroke (13, 162, 151);

strokeWeight(1);

arc(200, 235, 20, 20, PI, TWO_PI);

noFill();

smooth();

stroke (91, 219, 209);

strokeWeight(2);

arc(300, 370, 55, 55, PI, TWO_PI);

color extsol = color(241, 245, 32);

fill (extsol);

noStroke ();

ellipse(width/6, height/8, 55, 55);

color inside = color(204, 102, 0);

fill (inside);

noStroke ();

ellipse(width/6, height/8, 40, 40);

quad(200, 50, 230, 150, 310, 150, 230, 200);

triangle(200, 50, 230, 200, 170, 200);

color sombra = color(178, 119, 2);

fill (sombra);

noStroke ();

quad(200, 50, 170, 200, 90, 150, 170, 150);

Objeto interativo final!

Depois de passar um tempo reformulando o objeto da pré-entrega, o objeto interativo finalmente ficou pronto. A ideia básica foi realizar um theremin fotossensível e dispositivos luminosos que acionassem-no, no caso, os cilindros. O circuito do theremin foi coberto já que optei por construir uma base tridimensional de E.V.A. azul. O acabamento da "base", do theremin, ficou por conta, também, de tecidos de formas e cores diferentes que contribuem, na medida que são levantados, dependendo da iluminação ambiente, para a produção de diferentes sons. É possível brincar com a forma desses tecidos, gerando novas configurações visuais a cada vez que são mexidos. A interação do objeto também acontece com a ambiência: a partir da iluminação local, a frequência sonora varia. Por isso escolhi uma forma mais "aerodinâmica", mais adequada para que as pessoas pegassem-no e começassem a sair por aí, experimentando iluminações diversas. A forma foi baseada nas curvas da Casa do Baile e na Igreja da Pampulha em um inocente passeio. Para montar o circuito, uma placa de cobre com vários componentes, além dos transistores necessários para captar a luz, foram utilizados. A variação sonora é garantida pela variação da voltagem nos transistores, dependendo da quantidade de luz. Necessitei da ajuda de uma pessoa de maior conhecimento e prática para conseguir soldar os fios e colocar os elementos na disposição necessária. Usei um blackout para impedir que a luz infiltrasse quando não desejada.

Fiz 3 cilindros luminosos para que mais pessoas, ao mesmo tempo, pudessem usufruir o objeto. Para garantir a aparência de um conjunto theremin/cilindros, cobri os parte dos últimos também com E.V.A. Eles são acionados por um simples aperto na parte azul. O circuito é bem simples: composto por apenas duas pilhas e pequenas lâmpadas ( duas de 2,4 V e uma de 3,6 V), o fio proveniente de um pólo da bateria passa por um pequeno furo no cilindro. Ao apertarmos o E.V.A., estamos estabelecendo contato entre esse fio e uma superfície de alumínio. Sem ser apertado, o circuito fica aberto, já que há um plástico maleável e resistente, cheio de furinhos, impedindo que alumínio e fio fiquem diretamente encostados um no outro. São esses furinhos que permitem o contato já mencionado. Enquanto isso, o outro fio da bateria envolve a lâmpada.

Para facilitar a compreensão, um vídeo:

Resenha do texto de Vilém Flusser - ''Desing: obstáculo para a remoção de obstáculo?''

O texto de Flusser baseia-se no dilema dos objetos de uso que, para o homem, são tão importantes quanto opressores: ao mesmo tempo que são necessários para que haja o progresso, estão sempre no caminho humano, impondo limites como obstáculos que são. Assim, uma proposta de criação de objetos de uso mais responsáveis e intersubjetivos é feita. O homem deve configurar projetos que minimizem a objetividade, a obstrução, ao passo que aumentem as possibilidades de mediação entre si e outros homens.

Considero o texto muito coerente com o nosso aprendizado na Escola de Arquitetura até agora. Estabelecendo um paralelo com Herman Hertzberger, vários objetos cotidianos apresentam-se muito restritos na funcionalidade, enquanto necessitam oferecer novas liberdades usuais. Dessa forma, a comunicação entre criador/usuário não se expande, contribuindo para a objetividade que nos cerca e também para uma rápida perda da forma de tais objetos. Aqui entra a efemeridade das formas: quanto mais se produz objetos de uso irresponsáveis, centrados em um uso individualizado, mais rapidamente são extintos, já que a obstrução para que se alcance o progresso torna-se insuportável. É senso comum dizer que o homem só toma medidas efetivas quando algo atinge-o negativamente, ainda que isso não seja uma verdade inegável. Nesse caso, é a obstrução que vai levá-lo a pensar de modo mais livre na elaboração de um novo design. Apesar, contudo, da necessidade de invenção de objetos com maiores liberdades, é impossível imaginarmos um mundo composto apenas por eles, sem determinarmos restrições usuais ainda que pequenas. A obra “Bichos”, de Lygia Clark, por exemplo, oferece possibilidades a quem manuseia suas placas metálicas ao passo que as articulações presentes impõem certos limites deste manuseio.

Esse texto também faz uma ponte com o "Animação cultural", do mesmo autor. Neste, a mesa redonda apresenta-se como a presidente para a organização de uma revolução caracterizada pelo domínio dos objetos sobre a humanidade. Ao projetar, muitas vezes, o homem também se torna "refém" do objeto: de acordo com Flusser, em ''Design: obstáculo para a remoção de obstáculo?", os objetos resistem a projetos de muita utilidade e acabam controlando o processo de sua própria criação. Isso não deveria ocorrer, a imaginação humana que deveria ser capaz de controlar todas as etapas de desenvolvimento dos mesmos.

Vale ressaltar também o ponto dos objetos de uso imateriais. É indiscutível a gama de possibilidades oferecidas pela internet, por exemplo. O acervo informacional disponível garante uma liberdade aparentemente infinita. No entanto, ela garante uma perda incessante da cultura material: muitos projetos são descartados já que, "concorrendo" com essa imensa rede, são deformados; perdem sua forma original. E isso me incita a crer na existência de um embate entre cultura material e imaterial.

Objeto interativo: pré-entrega

Seguem abaixo algumas fotos do meu pré objeto interativo:

O acabamento ainda não foi finalizado; falta cobrir o theremin fotossensível com panos diversos para fazer um jogo com o som incessante na presença da luz. O acabamento do cilindro também não está pronto, além da ideia inicial ter sido três.

Inhotim

Dia 8 de março visitaremos o Insituto Inhotim, onde arte e botânica convivem muito bem. Já estive lá em 2007, mas, procurando no site, parece-me que as obras por mim vistas já foram substituídas. Vai ser interessante explorar o que há de novo agora. Mas, com certeza, a beleza inexplicável permanece.

Fotos de algumas galerias:

Galeria Doris Salcedo

Galeria Adriana Varejão

Galeria True Rouge


''Com um acervo de, aproximadamente, 500 obras de mais de 100 artistas, a coleção de Inhotim vem sendo formada desde meados de 1980, com foco na arte produzida internacionalmente nos anos 1960 até os nossos dias. Pintura, escultura, desenho, fotografia, vídeo e instalações de renomados artistas brasileiros e internacionais são exibidos em galerias espalhadas pelo parque botânico.''

Para falar a verdade, eu nunca compreendi muito bem a essência da arte contemporânea e o que ela realmente é. No entanto, algumas obras chamaram mais a minha atenção devido ao fato de eu ter feito alguma associações que podem ser um tanto infundáveis.

Sem título (casa da canoa, #13) - Luisa Lambri

Eu me lembro vagamente desse lugar. Essas curvas levam-me a pensar na casa do baile na hora e, consequentemente, de certa forma, no meu objeto interativo.

Cosmococa 5 Hendrix War - Hélio Oiticica e Neville D’Almeida

Essas redes de balanço definitivamente não estão aqui para você relaxar ou dormir, ainda mais ao som de Jimmy Hendrix. Essa obra envolve projeção de slides e parece estar mais para uma instalação. Fiquei curiosa para saber o tema das projeções, o nome não me jaudou muito.

EDIT: Vasculhando um pouco mais, vi que o tema é a cocaína. Ainda assim o nome nunca me incitaria a fazer essa associação.

Gigante dobrada - Amilcar de Castro

Essa foi a única obra que consegui encontrar das que eu me lembro de 2007. E, coincidentemente, o autor é Amilcar de Castro, quem, ao lado de Lygia Clark e Ferreira Gullar - dentre outros - lançou o Manifesto Neoconcreto, em 1959. Ao chegar de frente para obra, lembro-me de ter visualizado um pássaro com as asas abertas.

Através - Cildo Meireles

Na descrição da obra, temos: ''Trata-se de uma coleção de materiais e objetos utilizados comumente para criar barreiras, com os mais diferentes tipos de usos e cargas psicológicas: de uma cortina de chuveiro a uma grade de prisão, passando por materiais de origem doméstica, industrial, institucional.'' Instantaneamente me lembrei do texto ''Design: obstáculo para a remoção de obstáculo''. Ainda que essas barreiras, na obra, sejam físicas, elas estão, no nosso cotidiano, condicionadas aos objetos de uso bem determinado (inclusive classificados de acordo com suas origens).

Glove Trotter - Cildo Meireles

Pode ser que seja algo completamente diferente disto, mas, para mim, essa obra só pode ser uma representação da lua. Imaginei-me caminhando pela obra e fiquei curiosa para sentir o pisar, a textura do material usado para fazer o ''chão''. Será possível chegar a algo que realmente remeta à leveza da pequena gravidade lunar? Espero ter chance de descobrir.

O colecionador, Adriana Varejão

Pela foto, eu definivamente não consegui entender a associação obra/nome. Mas também não garanto entendê-la mesmo de frente para a tela. Pois é, isso é uma tela pintada a óleo. Foi mais isso mesmo que chamou minha atenção; eu nunca diria que isso fosse algo que não um mosaico. E a perspectiva é muito boa, invejei muito autor já que meus desenhos têm sempre um quê de distorcido nessa parte.

Fonte: inhotim.org.br

Para ter alguma ideia sobre o objeto interativo, estava dando uma olhadinha em algumas coisas e acabei chegando a isto:



Sério, como assim?
Precisei colocar isso aqui, estou em estado de choque

Castelo mágico

Inicialmente, eu tinha à minha disposição um pequeno ventilador luminoso, dois artigos de festas de quinze anos e um cartão que tocava músicas natalinas ao abri-lo. Tentei, então, conjugar todos os mecanismos existentes e o resultado foi esse pequeno castelo, construído a partir de papel ofício, papel cartão, tinta, massa de modelar e rolo de papel higiênico. Fiz um castelo para remeter à ideia de tesouro que, por sua vez, remete à uma caça ao tesouro: a pessoa que o manuseia precisa explorá-lo para conseguir atingir todos os pontos de interação possíveis.
Na tentativa de aplicar Hertzberger à criação, procurei desenvolver algo com múltiplas funções. O castelo pode ser utilizado como um simples objeto de decoração, como um brinquedo ou, ainda, como um porta-lápis.

Objeto Oi Futuro

Recebemos a proposta, na aula de Informática, da construção de um objeto que nos fizesse lembrar do Museu Oi Futuro.
Durante boa parte do tempo de visitação, fiquei dentro da sala “Profetas do futuro”, assistindo aos diversos vídeos de figuras internacionalmente conhecidas e importantes. Neles, essas pessoas expunham seus pensamentos através de célebres frases de autoria própria ou depoimentos.
Paralelamente, é impossível você entrar no museu e não perceber a quantidade de informações à sua espera, todas relacionadas à tecnologia. Internet, celulares, telefones e os próprios vídeos de apresentação ilustram isso. Dessa forma, em uma palavra, tentei resumir toda essa vasta gama de acessos: rede.
A partir do SketchUp, tentei explicitar a oposição existente entre a ideia humana e a rede tecnológica já que, no museu, isso ficou bem claro para mim. A base do objeto, essa forma parecida com uma esfera, é preenchida de modo altamente disforme e sem padrão, simbolizando a rede. E a forma próxima à de uma esfera vem para reforçar a aparência infinita dessa rede; não se sabe onde ela começa ou termina. Tentei, na parte de cima do objeto, remeter à projeção da sala já mencionada. Einstein, Oscar Niemeyer, Andy Warhol, Platão, Nostradamus e Goethe – todos homens que, com suas próprias ideias, conseguiram deixar marcas notáveis. A aparentemente frágil linha que liga essas duas partes consegue equilibrar, bem no centro de gravidade, a parte humana. No entanto, estabelecendo uma ponte com Einstein, tudo é relativo: um leve toque é capaz de desestabilizar a estrutura. Minha leitura, conforme já dito, é baseada no contraste homem-tecnologia: Hoje, tudo está tão impregnado de tecnologia que a dependência humana em relação à mesma é inegável. Ao mesmo tempo, foram ideias as responsáveis pela construção do nosso mundo, inclusive da rede, apontando a superioridade humana. A projeção, portanto, é sim equilibrada, mas está no alto.

Christian Moeller

Analisando os trabalhos do arquiteto Christian Moeller, o que mais chamou minha atenção foi o Electro Clips, que, pela descrição do site oficial de Moeller, http://christian-moeller.com/, consiste em uma ''instalação que permite que dançarino interaja diretamente com luz e som, de acordo com os símbolos acústicos e visuais do balé e seus movimentos coreográficos expressivos'' - tradução livre. Sensores no chão captam os movimentos do dançarino, traduzindo em sons que podem até mesmo produzir uma espécie de música eletrônica. No entanto, isso depende da habilidade de quem dança.

Gostei muito dessa proposta porque engloba iluminação, som e movimento, explorando, dessa forma, os sentidos visão, audição e (por que não) tato. Além disso, dentre todas as outras que vi, foi a que mais, a meu ver, conseguiu atingir um propósito, no caso, o de produção de um som diferente. Isso estimula o próprio dançarino que tem, em suas mãos, a capacidade de produzir algo interessante já que é ele quem obtém o controle da situação. O ambiente como um todo também é importante nesse contexto, já que o dançarino tem toda liberdade de percorrer a extensão da "câmera iluminada" em que ele entra para criar diferentes tipos de som.

Performance no Photoshop

Na nossa performance, percorremos a cobertura da passarela que nos conduz até à sala de plástica. Durante o primeiro ensaio, já nos deparamos com um "obstáculo'': uma árvore com seus galhos. Nossa proposta inicial havia sido a de sair de uma extremidade até a outra, no entanto, isso não seria mais possível. Adaptamos a performance de acordo com esse elemento. Elaboramos uma interpretação do espaço apropriado que incorporou a árvore à criação. O que antes era limite, virou liberdade. Hertzberger compara a urdidura de um tecido à estrutura básica de um determinado espaço, e a trama às diversas funções aplicáveis. Analogamente, podemos considerar a locação da performance - cobertura e árvore - como a urdidura e o uso efetivo como a trama.

Hertberger em relação à estrutura: ''uma forma ampla que, mudando pouco ou nada, é adequada para acomodar situações diferentes porque oferece continuamente novas oportunidades para novos usos.'' O lugar apropriado em nada foi alterado. Contudo, seu uso foi invertido: de cobertura para piso.

Complexo arquitetônico da Pampulha usando o Photoshop

Google maps/mapa desenhado

Bom, tentei, através dessa fusão dos mapas, usar as ferramentas exploradas na aula de informática, como o uso de filtro, blur, opacidade, mudança de textura, além de tentar dar uma melhorada, aqui e ali, com borracha e recortes, no meu mapa, já que não fui muito feliz nele. A falta de domínio em relação ao caminho da minha casa até a Escola de Arquitetura é visível, não tentem fazer esse percurso desenhado.

Minidicionário das estratégias do caminhar

Conforme proposto na primeira aula de Plástica e expressão gráfica, aqui estão os verbetes:

Flanêur: Esse termo trabalhado, entre outros, por Charles Baudelaire e Walter Benjamin, surgiu no final do século XIX. Do francês, aquele que perambula, que caminha. No entanto, muito mais do que apenas andar por um determinado espaço físico, o flanêur tem capacidade de percepção aguçada para aquilo que, diversas vezes, passa despercebido pelas pessoas. Através de um olhar, antes de tudo, curioso, mas também diferenciado, ele acompanha a evolução do cenário diário ao andar sem rumo por aí, seja essa evolução arquitetônica, relacionada aos próprios transeuntes, pessoal, política, econômica, cultural. É a observação o principal instrumento que lhe permite elaborar críticas, idéias e teses sobre o que é percebido em um simples “passeio”. Apesar de anônimo, o material que ele coleta lhe permite expandir sua visão sobre o externo, sobre o outro, fazendo com que ele entenda muito mais sobre a sociedade em si. Enquanto, na cidade, outros tantos caminham ou, literalmente, até correm na tentativa de suprimir seus anseios, necessidades e obrigações, o flanêur é capaz de sentir e apreciar o que está ao seu redor sem preocupações, sem horários estabelecidos, sem regras.

Para ilustrar a figura do flanêur, o livro A alma encantadora das ruas, de João do Rio, é um ótimo exemplo.

Muro pichado em Rio Branco, AC - Um flanêur não veria, apenas, palavras e desenhos aqui

Deriva: A (teoria da) deriva foi proposta por Guy Debord, um situacionista* que procurou trazer uma nova forma de descoberta da cidade. A prática da deriva consiste pura e simplesmente na entrega total do seu corpo ao inconsciente, deixando que o mesmo seja o condutor pelo espaço físico. A motivação que garante o trajeto de quem pratica a deriva são, apenas, sensações que vão surgindo ao longo dos ambientes percorridos. Dessa forma, procura-se combater a alienação e a rotina previamente estabelecida, procurando despertar um outro olhar sobre o que nos cerca. Para registrar as experiênciais sensoriais vividas naquele determinado momento, é válido traçar um "mapa das sensações" com anotações, enquanto a pessoa é levada por sua própria manifestação inconsciente.

*Em termos bem breves, o situacionismo foi um movimento vanguardista de cunho artístico e político do século XX, tendo como base a contraposição ao consumismo.

Parkour/Le Parkour: Tal prática/esporte/arte contemporânea consiste em rápidos deslocamentos em meio ao cenário urbano como escaladas de prédios, saltos e até mesmo cambalhotas no ar, sendo que todos os movimentos recebem algum tipo de nome.

Sebastien Foucan executando um movimento chamado Saut de Bras

Para aqueles que praticam o parkour - ‘traceur’ para homens e ‘traceuses’ para mulheres - fundado por David Belle, o obstáculo não existe, ou melhor, pode ser sempre "driblado". Certas vezes, obstáculo pode até ser confundido com o próprio praticante, já que, devido à velocidade dos movimentos, é possível ver a fusão dos dois. O treinamento físico e mental (muita, muita concentração) é extremamente necessário para que ninguém saia machucado.

Nada melhor do que um vídeo, ainda que um pouco cortado, para traduzir palavras:

Cena do filme 007 - Casino Royale

É impossível imaginar vários praticantes realizando suas "manobras" no meio urbano como algo cotidiano. Embora a idéia que gira em torno da faceta seja a de você ser capaz de alcançar qualquer ponto desejado, independente do que encontrar pela frente, imaginar pessoas em massa praticando-a livremente é realmente díficil. Além disso, ao contrário de um flanêur ou de um praticante da deriva, a capacidade de traçar alguma crítica ou observação pessoal em relação ao que o circunda é falha.

Apenas como observação, é interessante ressaltar a influência francesa sobre cada um dos verbetes abordados.

Referências:

flanêur - http://www.thelemming.com/lemming/dissertation-web/home/flaneur.html

http://videoflaneur.googlepages.com/charlesbaudelaireasflâ
deriva - http://www.rizoma.net/interna.php?id=130&secao=potlatch

parkour - http://www.abpk.org.br/ver_artigo.php?id=37

http://www.leparkourbrasil.com.br/